Quentin Tarantino at the Festa del Cinema di Roma (Photo: Getty Photos)
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“I’ve killed a hell of a lot of people to get to this point, but I’ve only one more. The last one. The one I’m driving to right now. The only one left. And when l arrive at my destination, I am gonna kill Bill.” Do you remember the lost-in-thought look of Beatrix Kiddo while she drives?

Italy’s homage to Tarantino, in truth, was already in the Festa del Cinema di Roma’s poster. The 2021 edition welcomed the director, notably fond of  Italian cinema, with the mesmerizing features of Uma Thurman, a “concentrate of energy, freedom, and passion,” on its official poster.

Happily surprised by the choice, always friendly with public and interviewers, but also very ironic, abrasive, over-the-top, just like his movies, the Sergio Leone fan said: “I don’t know what my next movie will be…Kill Bill III perhaps, as you suggested. I can’t exclude it.”

He also admitted he’d like to work in Italy: “I’d absolutely love to. And my wife, too. I just need to find the right story. It’d be a blessing, especially shooting in Cinecittà! It wouldn’t be my next movie, it’s just an idea right now, but this Italian project could kind of be like a Spaghetti Western, with all characters speaking different languages.”

Director, screenwriter, producer, actor, and creator of worlds that have had an explosive impact on the collective imagination in the past decades, in Rome Tarantino received the Lifetime Achievement Award – and a standing ovation – and entertained a cheering public during an Incontro Ravvicinato, a close encounter, where every answer was welcomed with applause. Tarantino received his award from Italy’s “master of horror,” Dario Argento: “You don’t make only American cinema proud, you also make a part of Italian cinema proud. I’m so honored to give this award to one of the world’s greatest talents. Evviva Quentin Tarantino!” Some of the most iconic actors who worked with him – Samuel L. Jackson, John Travolta, and Christoph Waltz-  surprised him with a congratulation video.

But he was the one to emotionally remember Oscar-winner Ennio Morricone: “Working with Ennio had always been a dream of mine. He was my favorite composer, not only in cinema. He was my absolute favorite. Years ago, I had asked him if we could work together. While making The Hateful Eight I understood I wanted an original soundtrack, but if he had said no, I would not have asked anyone else. I worked with a giant. A real giant.” During the long interview he gave at the 16th edition of the festival, he told about the “fake” curriculum where he wrote he worked with Romero and Godard, and how his original dream to become an actor changed into that of being a director, because “I wanted movies to be my own.”

Tarantino viene premiato da uno dei suoi idoli: Dario Argento (Photo: Getty Photos) 

Tarantino dropped out of school at age 17 to sign up for an acting course that he paid for doing odd jobs. In 1985, he went to work at a video rental store and started writing his own scripts. In that very shop, where he spent his days watching films and suggesting which ones to watch, he worked on his very first script: True Romance, later a film directed by Tony Scott. Around this time, he meets the director and producer Roger Avary, thanks to whom Tarantino debuted as a director in 1992 with Reservoir Dogs, made on a shoestring, but with a stellar cast – Harvey Keitel, Tim Roth, Steve Buscemi, and Michael Madsen. At its premiere at Sundance, critics instantly grasped that it was revolutionary. In 1994 his second film, Pulp Fiction, wins the Palme d’Or at the Cannes Film Festival. The film establishes Tarantino’s reputation: it receives seven Oscar nominations and wins one, for Best Original Screenplay. With his subsequent films — Jackie Brown, Kill Bill: Vol. 1 and Vol. 2, Inglourious Basterds, Django Unchained, The Hateful Eight, and Once Upon a Time in Hollywood — Tarantino’s cinematic universe reached its maturity and became a legend. That legend endures today, thanks to Tarantino’s now iconic style.

Author of screenplays filled with unexpected twists and turns, creator of movies characterized by visual panache, cinema references, and almost-surreal dialogues typical of true masters, Tarantino reflected on the necessity to feel free to express one’s creativity, in spite of criticism: “You need to believe in your ideas, without worrying about whether people are going to like the movie. Pulp Fiction received a lot of positive reviews, but some had some strongly negative opinions about it. If your movie touches the zeitgeist, if people talk about it, if it creates discussion and leaves a mark, there’ll always be people that don’t like it. If you don’t take it personally, criticism is useful even when it’s negative because, in the end, they still take the time to write 10.000 words about it.”

The other Lifetime Achievement Award at the Roman festival went to Tim Burton, a filmmaker with an unmistakable style, an eccentric, astonishingly talented draughtsman, a versatile and visionary artist who has few rivals when it comes to conveying the fine line between dreams and reality.

“I grew up with Bava, Fellini, and Argento,” he said while Oscar-winners and collaborators Dante Ferretti, Francesca Lo Schiavo, and Gabriella Pescucci cheered him from the audience. Having always been an outsider, he was somehow surprised that the Studios didn’t leave him out of the system, “perhaps they didn’t really understand what I was doing,” he stated. He then declared, however, that he’s been “very lucky because I had the opportunity to translate my daydreaming into art, into my own cinema.”

Influenced by the literary nightmares of Edgar Allan Poe, the horror film ambiance of Roger Corman, and the “distorted” perspectives of the German Expressionists, Burton packed all of these into his first short film, Vincent, made using stop-motion and narrated, in the original-language version, by his idol, Vincent Price. After that, there would be no stopping him: his creativity overflowed into stories and characters that have rightly made Burton one of the best-loved directors of all time, for such exploits as Edward Scissorhands, The Nightmare Before Christmas (directed by Burton’s friend Henry Selick), Ed Wood, Sleepy Hollow, and the screen adaptations of Alice in Wonderland and Charlie and the Chocolate Factory. In all of Burton’s films, the real world appears to be static and dreary compared with the fantasy world, which is multiform and joyful and pays no lip service to the ordinary. It is a world in which characters who are melancholic and controversial, wrapped in an aura of mystery and, yes, gloom, are nevertheless celebrated and extolled for being anti-heroes with a difference: they are full of humanity. Over the course of his thirty-year-long career, with two Oscar® nominations for Best Animated Film under his belt, Burton has always stayed true to his own poetics, his non-conformism, and his revolt against the ordinary. The many awards he has received include the Golden Lion for Lifetime Achievement at Venice in 2007.

“I like the idea that art can be subjective, depending on who observes and perceives it.  What’s sweet to me can be unsettling to others. Personally, I don’t see myself as an artist, I’m just someone who translates his feelings. Every character of mine – Burton said – has something to do with my childhood, with my dreams. My drawings’ exhibition at the MoMA surprised and excited me, it made me a happy person. But don’t forget: the best ideas come about as a dream. For me, often, while sitting at a bar while having a drink.”

“Ho ucciso tante persone per arrivare fin qui. Ma ne devo uccidere ancora una. L’ultima. Quella da cui sto andando ora: la sola rimasta in vita. E quando sarò arrivata a destinazione, io ucciderò Bill”. Ricordate lo sguardo trasognato di Beatrix Kiddo al volante?

L’omaggio italiano a Quentin Tarantino in realtà, era iniziato dal cartellone. L’edizione 2021 della Festa del Cinema di Roma ha accolto il regista innamorato del cinema tricolore con il volto ipnotico di Uma Thurman, un “concentrato di energia, libertà e passione”, scelto per il poster ufficiale.

Felicemente sorpreso di una simile scelta, generoso con il pubblico e con chi lo intervistava ma anche ironico, graffiante, sopra le righe come i suoi film, l’appassionato cultore delle opere di Sergio Leone ha detto: “Non so quale sarà il prossimo film che girerò. Forse quello che mi suggeriva… Kill Bill III.. non lo escludo”.

Così come non ha nascosto il desiderio di girare un film nel Belpaese: “Mi piacerebbe da pazzi, e anche a mia moglie piacerebbe, devo solo trovare la storia giusta. Sarebbe una benedizione, specialmente girare a Cinecittà! Non sarebbe il mio prossimo film, per ora è solo un’idea, ma questa cosa da girare in Italia potrebbe essere nello stile degli Spaghetti Western con tutti i personaggi che parlano lingue diverse”.
Regista, sceneggiatore, produttore, attore e creatore di mondi che hanno avuto un impatto esplosivo sull’immaginario collettivo negli ultimi decenni, Tarantino ha ricevuto a Roma il Lifetime Achievement Award con tanto di standing ovation e ha intrattenuto un pubblico osannante in un Incontro Ravvicinato, in cui è stato acclamato ad ogni risposta.

A premiarlo il “maestro del brivido” Dario Argento: “Tu sei non solo l’orgoglio del cinema americano ma anche l’orgoglio di una parte del cinema italiano. Sono così onorato di dare questo premio a uno dei più grandi talenti mondiali. Evviva Quentin Tarantino”. A omaggiarlo, a sorpresa, anche tre dei suoi attori cult che hanno mandato un video di congratulazioni: Samuel L. Jackson, John Travolta e Christoph Waltz.

A lui invece è toccato ricordare commosso il premio Oscar Ennio Morricone: “Era un sogno lavorare con Ennio. Il mio compositore preferito, non solo di cinema, preferito in assoluto. Gliel’avevo chiesto da anni se potevamo lavorare insieme, facendo The Hateful Eight ho capito che volevo una colonna musicale originale (a differenza degli altri film). Se me l’avesse negata non l’avrei fatta scrivere da nessun altro. Lavorare con un vero gigante, un gigante autentico”.

Nella lunga intervista alla 16° edizione del festival cinematografico romano, si è raccontato dal curriculum ‘taroccato’ in cui millantava film con Romero e Godard alla voglia di fare l’attore presto sostituita dalla passione per la regia perchè “volevo che il film fosse mio”.

Tarantino ha infatti abbandonato la scuola all’età di 17 anni per iscriversi a un corso di recitazione pagato facendo lavori saltuari. Nel 1985, è andato a lavorare in un negozio di noleggio video e ha iniziato a scrivere sceneggiature. Proprio in quel negozio, dove passava le giornate a guardare film e a suggerire quali vedere, ha lavorato alla sua prima sceneggiatura: True Romance, in seguito diventato un film diretto da Tony Scott. In quel periodo, l’incontro con il regista e produttore Roger Avary, al quale Tarantino deve il suo debutto alla regia nel 1992 con Reservoir Dogs, realizzato con pochi soldi ma con un cast stellare: Harvey Keitel, Tim Roth, Steve Buscemi e Michael Madsen.

Alla sua prima partecipazione al Sundance, la critica ha capito subito che era rivoluzionario. Nel 1994 il suo secondo film, Pulp Fiction, vince la Palma d’Oro al Festival di Cannes. Il film stabilisce la reputazione di Tarantino: riceve sette nomination agli Oscar e ne vince uno, per la migliore sceneggiatura originale. Con i suoi film successivi – Jackie Brown, Kill Bill: Vol. 1 e Vol. 2, Bastardi senza gloria, Django Unchained, The Hateful Eight e Once Upon a Time in Hollywood – l’universo cinematografico di Tarantino raggiunge la maturità e diventa leggenda. Una leggenda duratura grazie allo stile iconico di Tarantino.

L’autore di sceneggiature dalle svolte sorprendenti, brio visivo, riferimenti ad altri film e dialoghi al limite del surreale, come solo un maestro narratore può concepire, si è soffermato a lungo sulla necessità di esprimersi senza lasciarsi condizionare dalle critiche: “Bisogna avere il coraggio delle proprie idee e non preoccuparsi che il film non piaccia o che qualcuno scriva delle stroncature. Per Pulp Fiction, abbiamo avuto un sacco di critiche positive ma sono uscite molte analisi che giudicavano il film duramente. Se il tuo film tocca lo zeitgeist, se se ne parla, fa parte del dibattito, lascia il segno, ci saranno anche persone a cui non piacerà e, se non le prendi sul personale, le critiche ti aiutano anche se sono negative perché ritengono che il tuo film sia meritevole di sprecarci 10.000 parole per dirlo”.

L’altro premio alla carriera della fortunata rassegna romana, che nell’anno del ritorno al cinema ha avuto un red carpet di assoluto prestigio, è andato a Tim Burton, il regista dallo stile inconfondibile, disegnatore eccentrico e dal talento straordinario, artista poliedrico e visionario, che ha saputo raccontare come pochi l’evanescente confine tra sogno e realtà.

“Sono cresciuto guardando Bava, Fellini e Argento” ha detto davanti ai premi Oscar Dante Ferretti, Francesca Lo Schiavo e Gabriella Pescucci con cui ha lavorato, in platea per applaudirlo.

Pur sorpreso, essendo da sempre un outsider, che gli Studios non l’abbiano escluso dal sistema, “forse non capivano quello che facevo”, ha detto: “Sono stato molto fortunato perché ho avuto la possibilità di tradurre i miei sogni ad occhi aperti nella mia arte, nel mio cinema”.

Influenzato dagli incubi letterari di Edgar Allan Poe, dalle atmosfere horror del cinema di Roger Corman e dalle prospettive distorte dell’Espressionismo tedesco, ha inserito tutti questi elementi nel suo primo corto, Vincent, realizzato in stop-motion e narrato, nella versione originale, dal suo idolo Vincent Price. Da lì in avanti la creatività di Tim Burton non si è più fermata, dando vita a storie e personaggi che lo hanno consacrato come uno dei registi più amati di tutti i tempi.

Dall’indimenticabile Edward mani di forbice a Nightmare Before Christmas (creazione affidata alla regia dell’amico Henry Selick), passando per Ed Wood e Il mistero di Sleepy Hollow, fino ad arrivare alle trasposizioni cinematografiche di Alice in Wonderland e La fabbrica di cioccolato. Opere dove il mondo reale appare tetro e statico, in contrapposizione a quello immaginato: multiforme, allegro e svincolato dal conformismo dell’ordinario. Un universo in cui si muovono personaggi dai tratti malinconici e controversi, immersi in atmosfere misteriose, spesso tetre, in cui il loro essere antieroi “diversi” e ricchi di umanità viene celebrato ed esaltato. In trent’anni di carriera e con due nomination all’Oscar per il Miglior film d’animazione al suo attivo, Burton è sempre rimasto fedele alla propria poetica, svincolandosi dal conformismo e dall’ordinario. Tra i numerosi riconoscimenti che gli sono stati assegnati, anche il Leone d’oro alla carriera a Venezia nel 2007.

“Mi piace l’idea che l’arte sia così soggettiva nella percezione altrui. Quanto per me è dolce per altri è inquietante. Per quanto mi riguarda non mi considero un artista, solo uno che traduce qualcosa che sente. Ogni mio personaggio – ha detto Burton – ha a che fare con la mia infanzia, i miei sogni. La mostra al MOMA sui miei disegni mi ha sorpreso, entusiasmato, reso una persona felice. Ma non dimenticatevi: le idee migliori nascono come un sogno, per me con un drink al bar”.


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