Elsa Schiaparelli portrait. Photo credit Courtesy of Maison Schiaparelli
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Though fashion industry’s titan and alleged Nazi spy Coco Chanel dismissed her rival Elsa Schiaparelli as “that Italian who makes clothes,” later couturiers recognized the stylist as one of the most influential designers of the 20th century.

Schiaparelli — also known as “Schiap”— crossed art styles and movements, and the result was remarkable beyond fashion. She was a maverick in her time, the manifestation of a strong personality driving a humane, independent-minded artist and feminist.

She was born 130 years ago, on September 10, 1890 at the elegant Palazzo Corsini in Trastevere, Rome, to a prominent family of Piedmontese intellectuals. 

Salut, 1934, a Schiaparelli fragrance with Jean Michel Frank. Photo courtesy of Maison Schiaparelli

His father Celestino was a professor of Arabic language and literature at the University of Rome and head of Accademia dei Lincei Library. Elsa’s mother, Giuseppa Maria de Dominicis, was a Neapolitan aristocrat who descended from the House of Medici. 

Elsa’s uncle, Giovanni Schiaparelli, director of the Brera Observatory in Milan, was the first astronomer to observe a network of “canals” and “seas” on the surface of Mars. In 1877 he began mapping the Martian features with the names we use today. His other interests in psychic phenomena influenced his niece. Besides, Elsa’s cousin Ernesto was a lauded Egyptologist and founder of the Egyptian Museum in Turin. 

Elsa pioneered avant-garde fashion ranging from knitwear and ready-to-wear to high-couture. Her designs were extravagant, innovative, and oneiric.

As a kid, her mother would berate her for being different and homely looking, but the rebellious teenager had the dream of becoming an actress. That was unrealistic as the social position of the family could not allow her to have a career on stage, so she studied philosophy at the behest of the family, and kept her written poems a secret until 1911 when she had a book of sensual poetry published. The book, entitled Arethusa, attracted the ire of the family. 

“To the family, the book came as a bombshell,” Schiaparelli’s granddaughter Marisa Berenson, the American actress, and former top model, wrote in her book Elsa Schiaparelli’s Private Album. “The newspapers got very busy. Extracts from the poems were reproduced all over Italy, even abroad. Every critic chose a different one. Schiap’s father considered the whole thing a terrible disgrace and would not read the book.”

The “cage” created by Jean Michel Frank in 1937 for Maison Schiaparelli. Photo courtesy of Maison Schiaparellli.

As a punishment, the young Elsa was sent to a convent boarding school in German-speaking Switzerland where she started a hunger strike that convinced her parents to revoke their original decision. 

She wanted to be herself. To bloom she had to leave the past behind. Move to London and work as a nanny? So she did. One evening she attended a lecture on theosophy at the Occult Club in Piccadilly. The speaker was William de Wendt de Kerlor, a con man who posed as a count and paranormal expert. Elsa was immediately charmed by him and they became engaged the next day. They married in the summer of 1914, a week before the outbreak of WWI. As the couple subsisted on her wedding dowry and benefited from a Schiaparelli’s trust, enigmatic de Kerlor attempted to earn a living as a psychic practitioner but a year later he was deported from England for practicing fortune-telling. The couple retreated to the south of France, ready to emigrate to the US in 1916.

New York City galvanized Elsa. Through Gaby Picabia, the ex-wife of French Dadaist painter Francis Picabia, she connected with Dada artists. Elsa joined the artistic circles of Greenwich Village where she encountered visionary artists Marcel Duchamp, Man Ray, and Alfred Stieglitz who would later have a significant creative impact on her work.

In the meantime, Elsa’s marriage turned out to be a disaster and De Kerlor left not long after the birth of their daughter in 1920. Elsa had to respond to difficult times as the little Maria Luisa, nicknamed “Gogo,” was diagnosed with polio.

A rich American friend convinced her to go to Paris to seek medical treatment and provided a free domicile. It was the year 1922. Gaby Picabia, back in Paris as well, introduced Elsa to the Dada artists who frequented Le Boeuf Sur le Toit, a cabaret in Montmartre. The Années Folles (“crazy years” in French) — the Roaring Twenties — had just started. Elsa assisted American visual artist Man Ray with his Dada magazine Société Anonyme. She felt an affinity with that provocative art. Surrealism was gradually emerging. For a while, the two art movements co-existed in a continuum of shared energy. André Breton’s first Surrealist Manifesto appeared in 1924. Influenced by the psychoanalytic studies of Sigmund Freud, Surrealist artists tried to expand the mind’s potential by reconciling the contradictory states of dream and reality. Elsa was in tune with those doctrines. 

Elsa Schiapaelli’s elegant and creative couture. Photo Wikicommons.

But she had something more contingent to solve. “Life for me was rather dull, with a great deal of solitude,” she wrote in her autobiography Shocking Life published in 1954. In her early years in Paris, she was facing poverty. “But though things were dark and mysterious she was nearly happy – with the happiness of the tramp who, having found a room for the night, watches the winds and the rain raging outside,” she wrote. Yet poverty was a strong stimulus for action. “Poverty forced me to work and Paris gave me a liking for it, and courage,” she wrote. Her friend Gaby again helped her find some jobs. She was a single mother and “She knew that she would not marry again. Her marriage had struck her like a blow on the head, wiping out any desire to make a second attempt,” she wrote. 

The encounter with Paul Poiret, the designer who freed women from the corset, changed her life. She was mesmerized by his sartorial creations that day when she visited his salon. She tried them on but she could not afford them. Poiret gifted her several pieces to help publicize his most daring ones.

With Poiret’s encouragement, Elsa began to design clothes and sell them on a freelance basis. She briefly became the designer of a small house, Maison Lambal, and in 1927 she opened her own-name fashion house. 

That same year, she made a name for herself by creating a knitted jumper with a surrealist twist. After admiring a curiously stitched sweater worn by an American friend, she sought out the woman who knitted it, an Armenian refugee in Paris. After meeting with her, Schiap commissioned her to make a series of sweaters featuring a trompe l’oeil (three-dimensional) design of a white bow around the neck with coordinated details at the cuffs. “If I make a design will you try to copy it?” she asked the Armenian peasant. “So I drew a large butterfly bow in front, like a scarf around the neck – the primitive drawing of a child in prehistoric times,” she wrote. The young designer wore the sweater to a luncheon of fashion buyers and an American representative asked for 40 with matching skirts. Vogue called the design “an artistic masterpiece and a triumph of color and blending.”

In the beginning, Schiaparelli was synonymous with sports clothing. “In the 1920s, body culture became so widespread as to justify the invention of specific clothing,” says Enrica Morini, professor of contemporary fashion in Milan and author of the book Storia della Moda.

Maison Schiaparelli gowns from 1937. Photo: Wikicommons

The first collection launched in January 1927 was brightly colored knitwear inspired by both Italian Futurism and Poiret. Schiap began working the element of surprise into her designs, which also proved popular with New Yorkers. Despite the stock market crash of 1929, she was still able to sell her models to exclusive stores such as Saks Fifth Avenue in NY. In the early ’30s, tweed suits and skirt pants became the fashion house’s forte. In 1932, Janet Flanner, Paris correspondent for the New Yorker, wrote: “Certainly one of the explanations of her phenomenal success here was the un-European modernity of her silhouettes.”  

Her signature silhouette was as architectural as a skyscraper. Influenced by men’s tailoring, her style was defined as “Hard Chic.” Without losing elements of femininity, the high and narrow waistline, it incorporated padding, quilting, embroidery, decorated boleros, and turbans – all elements that metaphorically protect the female body from assault.

 “The new woman of the ’30s did not naively trust men,” Morini says. “The ten years spent between New York and Paris taught Schiap that the female universe was beginning to function as an independent entity. Men were opponents, especially in the workplace. The economic crisis was hitting women the hardest.”

Schiap developed new materials including rhodophane (a ‘glass’-like fabric). Despite her love of extravagant attire, her clothing was practical. She was the first to adopt plastic zippers.

She was the first woman designer to appear on the cover page of Time magazine. The feature story dated August 13, 1934, defined her as the arbiter of ultra-modern Haute Couture in the ’30s. As a supreme authority in the field, she wanted women to be “imaginative and capable of communicating their bold strength to others”, Morini says.

Her clients included Hollywood stars Katharine Hepburn, Mae West and Zsa Zsa Gabor as well as acclaimed beauty Daisy Fellowes, Paris editor of American Harper’s Bazaar, fashion icon and an heiress to the Singer sewing machine fortune. 

In 1935, Schiap relocated to the now-famous 21 Place Vendôme atelier, a 98-room salon with space for the first ready-to-wear showroom associated with a couture label. Certainly from 1935 to 1939, she eclipsed everyone, including Chanel.

The best ideas came out of collaborations with incredible artists. Alberto Giacometti designed furniture, brooches, and buttons, Meret Oppenheim created fur jewelry pieces. Multifaceted genius Jean Cocteau drew for her in 1937. Together, they designed exquisite evening coats. But from the mid-’30s, Schiap’s creativity was inextricably tied to an eccentric, iconoclastic and insolent Surrealist painter: Salvador Dali. There was an instant creative spark between the two. After their first collaboration in 1935 for a jocose powder compact in the shape of a phone dial, their prolific partnership produced humorous pieces that are still the cornerstones of fashion design, such as tailored suits with pockets like bureau drawers, or the sexually charged “lobster dress” and the “skeleton dress,” a black crepe gown with trapunto quilting to imitate protruding bones. In 1937, they created the famous “shoe” hat. The idea came watching an absurd photo of Dalì wearing a woman’s high-heeled pump on his head. The iconic piece played with the surrealist idea of displacement – removing an object from its expected context.

Julien Levy, the American art dealer who held the first Surrealism show in NYC, described Schiaparelli as “the only designer who understands Surrealism.”

The design icon also had a fondness for fragrances. In 1934 she launched a collection of perfumes: Soucis, Salut, and Schiap. The bottle was designed by Jean-Michel Frank. In 1937 she conceived the perfume Shocking! whose name, fragrance, pink packaging and curvy bottle modeled on Mae West’s magnificent figure caught the public imagination. She invented the color “shocking pink,” a vibrant, undiluted, intense pink nuance. “I gave to pink the nerve of the red, a neon pink, an unreal pink,” she wrote. 

With the Nazi invasion of Paris in 1940, Schiap escaped to New York with a mission: to raise funds and medicine for French children. Against everyone’s advice, she returned to complete her humanitarian assistance but soon she was forced to flee again to avoid being captured. As an Italian in Paris, her status was risky and she hated Mussolini. She took refuge again in NYC where she helped Marcel Duchamp organize the First Papers of Surrealism exhibition, the biggest all-surrealist show ever seen in the US. It benefited the French War Relief Society. In NYC, Elsa and her daughter Gogo also volunteered for the International Red Cross.

Returning to Paris, she tried to start a post-war phase of her creativity. In 1947, her friend Dalì designed the packaging for a new fragrance, the Le Roi Soleil perfume produced to celebrate the end of the war. But the times had changed. In 1954, after presenting her last collection, she felt her career was over. The salon closed its doors the same year. As a retirée, she spent most of her time in Hammamet, Tunisia, where she had built a colorful home. 

She died in Paris in 1973 at age 83, but “that Italian who makes clothes” never lost her strong Italian accent. 

After a long hiatus, the legendary Maison Schiaparelli reappeared on the catwalks in 2013 thanks to a new owner, Italian fashion magnate Diego Della Valle.

Sebbene Coco Chanel, gigante dell’industria della moda e presunta spia nazista, abbia liquidato la sua rivale Elsa Schiaparelli come “quell’italiana che fa vestiti”, gli stilisti successivi l’hanno riconosciuta come una delle stiliste più influenti del XX secolo.

Schiaparelli – nota anche come “Schiap” – incrociò stili e movimenti artistici e il risultato fu notevole ben al di là della moda. Era un’anticonformista del suo tempo, l’espressione di una forte personalità che guidava un’artista e una femminista umana e indipendente.

Nacque 130 anni fa, il 10 settembre 1890, nell’elegante Palazzo Corsini di Trastevere, a Roma, da un’importante famiglia di intellettuali piemontesi. 

Il padre Celestino era professore di lingua e letteratura araba all’Università di Roma e responsabile della Biblioteca dell’Accademia dei Lincei. La madre di Elsa, Giuseppa Maria de Dominicis, era un’aristocratica napoletana che discendeva dalla casata dei Medici. 

Lo zio di Elsa, Giovanni Schiaparelli, direttore dell’Osservatorio di Brera a Milano, fu il primo astronomo ad osservare una rete di “canali” e “mari” sulla superficie di Marte. Nel 1877 iniziò a mappare le caratteristiche marziane con i nomi che usiamo oggi. Gli altri suoi interessi per i fenomeni psichici influenzarono sua nipote. Inoltre, il cugino di Elsa, Ernesto, era un lodato egittologo e fondatore del Museo Egizio di Torino. 

Elsa è stata pioniera della moda d’avanguardia, dalla maglieria al prêt-à-porter all’alta moda. I suoi modelli erano stravaganti, innovativi e onirici.

Da bambina, la madre la rimproverava di essere diversa e dall’aspetto casalingo, ma l’adolescente ribelle aveva il sogno di diventare un’attrice. Non era realistico, perché la posizione sociale della famiglia non poteva permetterle di fare carriera sul palcoscenico, così studiò filosofia per volere della famiglia, e tenne segrete le sue poesie scritte fino al 1911, quando fece pubblicare un libro di poesia sensuale. Il libro, intitolato Arethusa, attirò l’ira della famiglia. 

“Per la famiglia, il libro esplose come una bomba”, ha scritto nel suo libro “Album privato di Elsa Schiaparelli” la nipote di Schiaparelli, Marisa Berenson, l’attrice americana ed ex top model. “I giornali si diedero molto da fare. Gli estratti delle poesie furono riprodotti in tutta Italia, anche all’estero. Ogni critico ne scelse uno diverso. Il padre di Schiaparelli considerava il tutto una terribile vergogna e non volle leggere il libro”.

Come punizione, la giovane Elsa fu mandata in un convento della Svizzera tedesca dove iniziò uno sciopero della fame che convinse i genitori a revocare la decisione originaria. 

Voleva essere se stessa. Per sbocciare doveva lasciarsi il passato alle spalle. Trasferirsi a Londra e lavorare come tata? Così fece. Una sera partecipò a una conferenza sulla teosofia al Club dell’occulto di Piccadilly. L’oratore era William de Wendt de Kerlor, un truffatore che si spacciava per un conte e un esperto di paranormale. Elsa ne fu subito affascinata e il giorno dopo si fidanzarono. Si sposarono nell’estate del 1914, una settimana prima dello scoppio della prima guerra mondiale. Se la coppia viveva della sua dote di matrimonio e beneficiava di un fondo degli Schiaparelli, l’enigmatico de Kerlor cercò di guadagnarsi da vivere come sensitivo, ma un anno dopo fu deportato dall’Inghilterra per aver praticato la divinazione. La coppia si ritirò nel sud della Francia, pronta ad emigrare negli Stati Uniti nel 1916.

New York City galvanizzò Elsa. Attraverso Gaby Picabia, l’ex moglie del pittore dadaista francese Francis Picabia, si mise in contatto con gli artisti dadaisti. Elsa si unì ai circoli artistici del Greenwich Village, dove incontrò gli artisti visionari Marcel Duchamp, Man Ray e Alfred Stieglitz, che in seguito avranno un impatto creativo significativo sul suo lavoro.

Nel frattempo, il matrimonio di Elsa si rivelò un disastro e De Kerlor se ne andò poco dopo la nascita della loro figlia nel 1920. Elsa dovette fronteggiare tempi difficili perché alla piccola Maria Luisa, soprannominata “Gogo”, fu diagnosticata la poliomielite.

Un ricco amico americano la convinse ad andare a Parigi a cercare cure adatte e le fornì un domicilio gratuito. Era il 1922. Gaby Picabia, tornata a sua volta a Parigi, presentò Elsa agli artisti dadaisti che frequentano Le Boeuf Sur le Toit, un cabaret di Montmartre. Gli Années Folles (“anni folli” in francese) – i ruggenti anni Venti – erano appena iniziati. Elsa sostenne l’artista visivo americano Man Ray con la sua rivista Dada Société Anonyme. Sentiva affinità con quell’arte provocatoria. Il surrealismo stava gradualmente emergendo. Per un certo periodo i due movimenti artistici coesistettero in un continuum di energia condivisa. Il primo Manifesto surrealista di André Breton apparve nel 1924. Influenzati dagli studi psicoanalitici di Sigmund Freud, gli artisti surrealisti cercarono di espandere il potenziale della mente conciliando gli stati contraddittori del sogno e della realtà. Elsa era in sintonia con quelle dottrine.

Ma aveva problemi più contingenti da risolvere. “La vita per me era piuttosto noiosa, con molta solitudine”, scrisse nella sua autobiografia Shocking Life pubblicata nel 1954. Nei suoi primi anni a Parigi, dovette affrontare la povertà. “Ma anche se le cose erano oscure e misteriose, era quasi felice – con la felicità del vagabondo che, trovata una stanza per la notte, guardava i venti e la pioggia che infuriava fuori”, scriveva. Peraltro la povertà era un forte stimolo all’azione. “La povertà mi costringeva a lavorare e Parigi mi piaceva e mi dava coraggio”, scriveva. La sua amica Gaby l’aiutò di nuovo a trovare un lavoro. Era una madre single e “sapeva che non si sarebbe più sposata”. Il suo matrimonio l’aveva ferita come un colpo in testa, “cancellando ogni desiderio di fare un secondo tentativo”, scrisse. 

L’incontro con Paul Poiret, lo stilista che liberò le donne dal corsetto, le cambiò la vita. Quel giorno, quando visitò il suo salone, rimase ipnotizzata dalle sue creazioni sartoriali. Le provò, ma non poteva permettersele. Poiret le regalò diversi pezzi per far conoscere i suoi abiti più audaci.

Con l’incoraggiamento di Poiret, Elsa iniziò a disegnare abiti e a venderli come freelance. Per un breve periodo divenne la designer di una piccola casa, la Maison Lambal, e nel 1927 aprì la sua casa di moda con il suo nome. 

Nello stesso anno si fece un nome creando un maglione a maglia con un tocco surrealista. Dopo aver ammirato un maglione cucito curiosamente, indossato da un’amica americana, cercò la donna che l’aveva realizzato, una rifugiata armena a Parigi. Dopo averla incontrata, Schiap le commissionò una serie di maglioni con il disegno tridimensionale di un fiocco bianco intorno al collo con dettagli coordinati ai polsini. “Se faccio un disegno cercherai di copiarlo?” chiese alla contadina armena. “Così ho disegnato un grande fiocco a farfalla davanti, come una sciarpa intorno al collo – il disegno primitivo di un bambino in epoca preistorica”, scrisse. La giovane stilista indossò il maglione a un pranzo di compratori di moda e un rappresentante americano ne chiese 40 con gonne abbinate. Vogue definì il disegno “un capolavoro artistico e un trionfo di colore e mescolanza”.

All’inizio, Schiaparelli era sinonimo di abbigliamento sportivo. “Negli anni Venti la cultura del corpo si diffuse a tal punto da giustificare l’invenzione di abiti specifici”, dice Enrica Morini, docente di moda contemporanea a Milano e autrice del libro Storia della Moda.

La prima collezione lanciata nel gennaio 1927 era maglieria dai colori vivaci, ispirata sia al Futurismo italiano che a Poiret. Schiap iniziò a inserire un elemento sorpresa nei suoi modelli, che si rivelarono popolari anche tra i newyorkesi. Nonostante il crollo del mercato azionario del 1929, si dimostrò ancora in grado di vendere i suoi modelli a negozi esclusivi come Saks Fifth Avenue a New York. All’inizio degli anni ’30, i completi in tweed e le gonne pantaloni divennero il punto forte della casa di moda. Nel 1932 Janet Flanner, corrispondente parigina del New Yorker, scrisse: “Sicuramente una delle spiegazioni del suo fenomenale successo qui è stata la modernità non europea dei suoi modelli”.  

La sua inconfondibile silhouette era architettonica come un grattacielo. Influenzata dalla sartoria maschile, il suo stile è stato definito “Hard Chic”. Senza perdere elementi di femminilità, il punto vita alto e stretto, incorporava imbottiture, trapunture, ricami, boleri decorati e turbanti – tutti elementi che proteggono metaforicamente il corpo femminile dall’aggressione.

“La nuova donna degli anni ’30 non si fidava ingenuamente degli uomini”, dice Morini. “I dieci anni trascorsi tra New York e Parigi hanno insegnato a Schiap che l’universo femminile cominciava a funzionare come entità indipendente. Gli uomini erano avversari, soprattutto sul posto di lavoro. La crisi economica stava colpendo più duramente le donne”.

Schiap sviluppò nuovi materiali, tra cui il rodofano (un tessuto simile al vetro). Nonostante l’amore per l’abbigliamento stravagante, il suo abbigliamento era pratico. Fu la prima ad adottare le cerniere in plastica.

È stata la prima stilista donna a comparire sulla copertina della rivista Time. La storia di copertina del 13 agosto 1934 la definisce l’arbitro della Haute Couture ultramoderna degli anni ’30. Quale autorità suprema sul campo, voleva che le donne fossero “fantasiose e capaci di comunicare la loro forza audace agli altri”, dice Morini.

Tra i suoi clienti c’erano le star di Hollywood Katharine Hepburn, Mae West e Zsa Zsa Gabor, oltre all’acclamata bellezza Daisy Fellowes, redattrice parigina dell’American Harper’s Bazaar, icona della moda e ereditiera della fortuna delle macchine da cucire Singer. 

Nel 1935, Schiap si trasferì nell’ormai famoso atelier di Place Vendôme 21, un salone di 98 stanze con spazio per il primo showroom di prêt-à-porter associato a un marchio di alta moda. Sicuramente dal 1935 al 1939, eclissò tutti, compresa Chanel.

Le idee migliori sono nate da collaborazioni con artisti incredibili. Alberto Giacometti ha disegnato mobili, spille e bottoni, Meret Oppenheim ha creato gioielli in pelliccia. Il poliedrico genio Jean Cocteau disegnò per lei nel 1937. Insieme, disegnarono squisiti cappotti da sera. Ma dalla metà degli anni ’30 la creatività di Schiap si legò indissolubilmente a un pittore surrealista eccentrico, iconoclasta e insolente: Salvador Dalì. Tra i due ci fu un’istantanea scintilla creativa. Dopo la loro prima collaborazione, nel 1935, per un buffo cofanetto per polvere compatta a forma di quadrante telefonico, il loro prolifico sodalizio produsse pezzi umoristici che sono ancora oggi i capisaldi del fashion design, come gli abiti sartoriali con tasche fatte come cassettiere da ufficio, o il “vestito aragosta” a carica sessuale e lo “vestito scheletro”, un abito in crêpe nero con trapuntatura per imitare le ossa sporgenti. Nel 1937 crearono il famoso cappello “a scarpa”. L’idea venne guardando una foto assurda di Dalì che portava in testa una pompa a tacco alto da donna. Il pezzo iconico giocava con l’idea surrealista dello spostamento: togliere un oggetto dal suo contesto naturale.

Julien Levy, il mercante d’arte americano che tenne la prima mostra sul Surrealismo a New York, descrisse Schiaparelli come “l’unica designer che capisce il Surrealismo”.

L’icona del design aveva anche una predilezione per i profumi. Nel 1934 lanciò una collezione di profumi: Soucis, Salut e Schiap. Il flacone fu disegnato da Jean-Michel Frank. Nel 1937 concepì il profumo Shocking! il cui nome, profumo, confezione rosa e flacone sinuoso, modellato sulla magnifica figura di Mae West, catturò l’immaginazione del pubblico. Inventò il colore “rosa shocking”, una vibrante, non diluita, intensa sfumatura di rosa. “Ho dato al rosa il coraggio del rosso, un rosa neon, un rosa irreale”, scrisse. 

Con l’invasione nazista di Parigi nel 1940, Schiap scappò a New York con una missione: raccogliere fondi e medicine per i bambini francesi. Contro il parere di tutti, tornò per completare la sua assistenza umanitaria, ma ben presto fu costretta a fuggire di nuovo per evitare di essere catturata. Essendo italiana a Parigi, il suo status era rischioso e odiava Mussolini. Si rifugiò di nuovo a New York dove aiutò Marcel Duchamp a organizzare la mostra First Papers of Surrealism, la più grande mostra tutta surrealista mai vista negli Stati Uniti. Ne beneficiò la Società Francese di Soccorso per la Guerra. A New York, Elsa e sua figlia Gogo fecero anche volontariato per la Croce Rossa Internazionale.

Tornata a Parigi, Elsa cercò di avviare una fase creatività nel dopoguerra. Nel 1947, l’amica Dalì progettò il packaging di una nuova fragranza, il profumo Le Roi Soleil prodotto per celebrare la fine della guerra. Ma i tempi erano cambiati. Nel 1954, dopo aver presentato la sua ultima collezione, sentì che la sua carriera era finita. Il salone chiuse i battenti lo stesso anno. Da pensionata, trascorse la maggior parte del tempo a Hammamet, in Tunisia, dove aveva costruito una casa colorata. 

Morì a Parigi nel 1973 a 83 anni, ma “quell’italiana che fa vestiti” non aveva mai perso il suo forte accento italiano. 

Dopo una lunga pausa, la leggendaria Maison Schiaparelli è riapparsa sulle passerelle nel 2013 grazie a un nuovo proprietario, il magnate della moda italiana Diego Della Valle.

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